Um desafiante recital contemporâneo de Henrique Portovedo, um saxofonista comprometido com a criação contemporânea. Sabendo trabalhar com a tecnologia sem esquecer a força da música.

Henrique Portovedo

Diz-se que Pitágoras falava aos seus alunos atrás de um véu, para que a sua presença física não os distraísse do mais importante: o som, aquilo que dizia e se ouvia. Em grego, “acusmé”, a coisa ouvida, que ali não tinha correspondência visível. O modo “acusmático” (assim lhe chamaram os praticantes da música concreta) é hoje tão frequente em tantas situações, que já nem notamos. Ouvimos sem ver a fonte sonora, por exemplo, na rádio. Mas, num concerto ao vivo, essa experiência tem ainda qualquer coisa de inquietante. De onde virá o som? De altifalantes? De um computador? De alguém escondido que realmente toca?
Foi o que nos perguntámos no início de um concerto muito especial no O'culto da Ajuda, em Lisboa, em que esperávamos a entrada de Henrique Portovedo para o aplaudir e para encorajar a proposta que nos fez de um concerto a que chamou Espaço e ruído.

Henrique Portovedo no O’culto da Ajuda

Então, o saxofonista não aparece? Ainda não, calma. Ele começa a tocar lá atrás. Suspeitamos, não temos a certeza. Onde estará escondido? À esquerda, à direita, atrás daquele pano preto? Ou estará atrás de nós, e é tudo uma ilusão sonora?
De facto, a coisa ouvida era a peça Approximating PI (2007), de Clarence Barlow, numa versão para saxofone soprano e electrónica, pois a peça existia antes como peça puramente electroacústica. Henrique Portovedo mantém-se quase sempre em poucas notas de uma escala pentatónica, como um pássaro repetindo alturas em ritmos irregulares sobre um ruído espacializado que os nossos ouvidos podiam procurar. Uma peça que, na verdade, não tem princípio nem fim, no sentido em que parece poder começar em qualquer ponto e terminar a qualquer momento. O número PI tem um início, mas o seu fim não se conhece (no último recorde do Guiness – a última “aproximação” – apresentaram-se uns 62,8 triliões de casas decimais!...)
Mas o que importava ali, na peça de Barlow, não eram os números – era pôr os ouvidos no som e no espaço, convidar à escuta do ruído que esconde, afinal, música. Ao mesmo tempo, era uma homenagem ao recentemente falecido Clarence Barlow, compositor britânico de música electroacústica (mas também de muitas peças de concerto, de câmara, peças para voz, música para o teatro e para o cinema) com quem Portovedo teve oportunidade de trabalhar e que Miguel Azguime homenageou também antes do concerto começar.

Seguiu-se um programa bastante radical, mas com peças muito diferentes na estética, no carácter e na atitude. Dizemos “radical” no sentido em que se tratava de peças que levam bem longe as suas premissas sem se desviarem do seu caminho. Apneia (2016) de Dimitris Andrikopoulos por exemplo, quase como um “estudo” (no sentido em que desenvolve técnicas específicas ao longo de toda a peça), desenrola-se numa conjugação entre os sopros do saxofone e os “sopros” da electrónica, numa articulação contínua entre os dois. Depois dos sopros sem altura definida do início, surgem rápidos gestos melódicos, sempre com a presença de multifónicos e de quartos de tom. A certa altura, um fortíssimo bordão interrompe este diálogo sax/ electrónica e traz um elemento novo, de ímpeto jazzístico. Para depois voltar a sopros delicados, mas nunca “doces”.
Pouca coisa “doce” se ouviu nessa noite, como disse, aliás, o saxofonista perto do final: “Muito ruído e pouca doçura”, foram as palavras que usou para descrever este seu programa muito bem montado de espaços e ruídos.

Particularmente interessante foi escutar a peça de Michael Edwards, em que os sons da electrónica não são contínuos, mas “discretos”, ao lado de uma profusão de movimentos do saxofone. Portovedo pôs os auscultadores e desvelou HOTPO (2020), uma peça cheia de ironia, como se estivessemos num quarto de brincar, um espaço cheio de objectos coloridos. É supreendente como o sax participa nos jogos da electrónica, por vezes suspendendo-se em repetições. Divertida brincadeira de um quarto de criança? Talvez. Mas não se pense que era coisa fácil, pois HOTPO é uma peça técnica e timbricamente muito exigente.

Houve ainda uma estreia absoluta, a da peça de Diogo Novo Carvalho para saxofone tenor e electrónica, F¿*#ing Manifesto (2023), uma peça sem meias-tintas, como o título indica, bem “do nosso tempo”, no modo como entrelaça numa montagem rápida palavras ditas (“fuck” está lá, claro, e os éfes também são objecto de transformação sonora), ruídos vários e o saxofone com muitas técnicas estendidas. A grande velocidade, talvez com alguma pressa de chegar, mas com um saudável carácter de manifesto, provocando o público nos seus gestos rasgados e nos seus arroubos sonoros numa montagem com algumas surpresas. Ainda se podem fazer “manifestos”, hoje? Parece que sim.

Ouvimos a terminar a estreia em Portugal de uma peça de Panayotis Kokoras (para saxofone barítono e electrónica), chamada Rhino (2017). Coisas “do nariz”, como o título sugere. Com pouca doçura, outra vez, mas agora com ruídos que parecem de “borracha”, mas também com urros e ruídos quase impossíveis de fazer no saxofone, no limite das possibilidades. Mas Henrique Portovedo trouxe os saxofones todos e amostrou a sua técnica muito desenvolvida no trabalho com a música dos nossos tempos. E fez assim um desafiante recital contemporâneo, sabendo trabalhar com a tecnologia sem esquecer a força da música. E sem carregar no açúcar, talvez porque o mundo não ande nada doce.

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